ARTE EGIPCIO. PERIODIZACIÓN CRONOLÓGICA




ETAPAS HISTORICAS EN EGIPTO. 

Arte Egipcio

El arte egipcio es, probablemente, la manifestación artística de todos los tiempos que más ha subyugado al ser humano contemporáneo.

Ello se debe, entre otras razones, a que la civilización egipcia no sólo creó una arquitectura, escultura y pintura de impresionante belleza, sino también una poderosa y misteriosa cultura que ha hecho soñar y reflexionar a investigadores, literatos, artistas y personas de toda condición, en la que se funden lo histórico, lo mítico y lo arcano o desconocido.

EL MEDIO

El arte egipcio está muy relacionado con el medio en el que se desarrolla. Este medio influye en diferentes aspectos: LA GEOGRAFÍA determina una cultura encerrada en sí misma, que produce un arte ajeno a influencias exteriores, escasamente transformado poco y recogido sobre sus propias formas debido a la falta de comunicación con el exterior.

Por otro lado, el medio va a determinar unos MATERIALES que indican la profunda alegría de vivir, el agradecimiento continuo por el milagro del río Nilo, lo que se observa en el esplendor de las pinturas en las tumbas; y por otro lado, cierta despreocupación por las miserias e infortunios de la vida terrestre, que también los hubo y en enorme medida; y un deseo de eternizar el ALMA del difunto y su vínculo sagrado con los dioses, por lo que el arte muchas veces está al servicio DE LA RELIGIÓN Y DEL PODER, a través de la erección de templos y tumbas. Esto está relacionado con los dos factores determinantes del arte que también vienen dados por el medio: la monarquía y la religión.

Así, el faraón (y los nobles) y los sacerdotes van a ser los principales sujetos que demandan la creación artística. Se trata de un arte aúlico, de academia o de escuela, y oficial, que se desarrolla en virtud de la religión y sus cánones o dogmas (formas cerradas de interpretación del mundo y sus entes), y de ello forma parte todo el universo, y principalmente e panteón de los dioses y el faraón, que es la encarnación de la divinidad en la tierra. No es por tanto un arte autónomo, librado a la iniciativa o inspiración individual de cada artista, sino un arte guiado, pautado, conducido en función de otras dimensiones o concepciones políticas, sociales, culturales, religiosas.

El arte egipcio está siempre sometido a las normas o CANONES, por esto es casi siempre similar a sí mismo, en ocasiones monótono, repetido, homogéneo. Tiene además un gran carácter simbólico y mágico.

Los artistas egipcios van a perderse, en líneas generales, en el anonimato, porque así lo requiere el CANON, y la concepción de su propia función, aunque se conocen los nombres de algunos artistas ya en el Imperio Antiguo, y especialmente en el Imperio Nuevo. Entre los artistas los más considerados se hallan los arquitectos, cuyo prestigio es enorme por cuanto aseguran en buena medida la inmortalidad del faraón o del noble a través de la construcción de la tumba, y también del templo o morada del dios. Sin embargo, los pintores y escultores son considerados como simples artesanos al servicio de la arquitectura.

Existieron dos tipos de talleres: los oficiales, en torno a los palacios y los templos  donde se forman los grandes artistas y se realizan las principales obras; y los talleres privados, destinados a clientes que no estuvieran relacionados ni con la monarquía ni con la religión. De éstos últimos se han conservado muy pocas obras, entre otros motivos debido a que utilizaban materiales más endebles que los destinados a los talleres oficiales.

Arte Neolítico – 8000-3000 a. c.

Los seres humanos fueron estableciéndose en sociedades agrarias, que les dejaron suficiente tiempo libre para explorar algunos conceptos clave de la civilización – a saber, la religión, la medición, los rudimentos de la arquitectura y escritura y, también el arte.

Los glaciares del hemisferio norte concluyeron su larga y lenta retirada, proporcionando terrenos apropiados y estabilizando el clima. El impacto que tuvo en los seres humanos fue de máxima importancia.

Esta recién encontrada “ estabilidad climática” fue uno de los factores que permitió que muchas tribus  abandonaran sus formas errantes y comenzar a construir más o menos aldeas y asentamientos permanentes. Los pueblos del Neolítico perfeccionaron las técnicas agrícolas y de conformación de rebaños domesticando a sus animales. Con un creciente y estable suministro de granos y carnes, los seres humanos ahora tuvieron tiempo para reflexionar sobre el panorama e inventar algunos avances tecnológicos bastante radicales.

 Tipo de arte que se desarrolló durante este periodo:

•   El Tejido
•   La arquitectura
•   La construcción de megalitos.
•   Estilizadas pictografías.
•   La estatuaria, pintura y cerámica tuvieron en esta época mayor refinamiento.
•   Las estatuillas tuvieron un gran auge luego de haber estado casi ausentes en la época del mesolítico.
•   El tema de la fertilidad femenina tomo papel protagónico así como representación de la diosa madre muy en relación con la agricultura.
• VENUS DE CATAL
• 
• 
  
• 
• Hubo estatuillas que representaban animales, sin embargo, estos no eran dotados con el detalle que disfrutaron las diosas. Se encuentran a menudo roto o en trozos – quizás indicando que se utilizaban simbólicamente en los rituales de caza.
   En el Cercano Oriente, en particular, las figurillas eran ahora de arcilla y al horno. Y no solamente talladas en piedras.

  La pintura

  Se observan en Europa occidental y el Cercano Oriente que estas se sacan de las cuevas y los acantilados y se centran en la expresión puramente decorativa. Los hallazgos de bronce de Çatal, una aldea antigua en la moderna Turquía, muestran encantadoras pinturas murales (incluido el paisaje más antiguo conocido del mundo), que datan de 6150 a. c.
  El periodo neolítico cuenta también con pintura rupestre. Se presentan aquí 
  Variedad en los temas en la pintura rupestre.
  Aparece la figura humana. Figuras siluetadas y estilizadas.
  Y se muestra disposición de las imágenes en escenas.
  Las imágenes se presentan como esquematizadas no tienden a ser realistas como en el periodo anterior del paleolítico. Esta esquematización tiene características casi geométricas que acentúan la expresividad.
• 
• La cerámica en el neolítico
  Comienza a ser más decorada con figuras de animales algunas y otras con bandas o ambas  combinadas. Lineas oscuras y espirales tambien se encuentran entre los disenos. Hacia los finales de la epoca media del neolitico por motivos aun no claros ocurre un abandono de la tendencia naturalista y figurativa hacia tendencias simbolicas y abstractas donde el detalle de las figuras no es tenido en cuenta. 
• 

• Características principales del arte Neolítico

  
  
  • Era todavía, casi sin excepción, creado para  propósitos funcionales.
  • Se incrementa la representación de imágenes de seres humanos en comparación a la de los animales y los humanos se representan con más detalle.
  • Comenzó a utilizarse para ornamentación.
  • En los casos de la arquitectura y las construcciones megalíticas el arte ahora se crea en ubicaciones fijas.
  Se construyeron templos, santuarios y anillos de piedras, a los dioses y diosas se  les proveyó con destinos conocidos. Además, la aparición de tumbas proporcionó  lugares de descanso de los difuntos.
  Entre estas construcciones con finalidad de tipo funerario tenemos:
  • Menhir
  • Dolmen.
  • Cromlech
  • Cuevas de enterramiento.
  • STONEHENGE, INGLATERRA
  • 
  • Estos megalitos poseían una complejidad constructiva que pueden hoy sorprendernos teniendo en cuenta que fueron hechos tan remotamente en el tiempo por hombres en el periodo neolítico. Estos conjuntos demuestran que estos hombres tenian conocimientosrelacionados con las estaciones y los astros como el sol, la luna y las estrellas ya que esos megalitos eran orientados de forma que la luz del sol pasara por ellos en determinadas fechas a inicios del verano.
    El tipo de arte del  “Neolítico” (es decir: edad de piedra, en que los pueblos aún no habían descubierto cómo fundir metales) continuó floreciendo en las Américas, África, Australia y, en particular, Oceanía, hasta nuestros días. Ha inspirado, además, numerosas formas artísticas en diversas expresiones, texturas, materiales y significados.

Arte del paleolítico.

                                          Edad de Piedra (30.000 al 10.000 A.C)

Características principales del arte paleolítico en la prehistoria

No existe, acaso, una muestra más terrible, maravillosa y radical del arte en el espíritu humano, que las pinturas y esculturas del remoto paleolítico. Perdidas entre las sombras del tiempo, estas evidencias del alma humana y sus necesidades de expresión y de explicación del mundo, nos hablan todavía. De nosotros depende intentar escucharlas. No es una tarea fácil asomarnos a este arte y caracterizarlo. El Arte paleolítico está vinculado, además, a los estudios antropológicos y arqueológicos que los profesionales han realizado en el intento por compilar y conocer la mayor cantidad de información. Los seres humanos de la Prehistoria llevaron una vida tremendamente difícil, peligrosa, breve y dramática. Estaban ocupados en la búsqueda de alimentos y en garantizar, hasta donde se pudiera, la subsistencia y la procreación o perpetuación de la especie. Intentaban controlar de alguna forma el entorno en que vivían y utilizaron los medios a su alcance. Entre estos medios, como expresión magna de su alma, se hallan las manifestaciones de creación artísticas. ¿Con qué intenciones? Más allá de las explicaciones y teorías, debemos decir: con la intención radical de hacer ARTE. Esto, en primer lugar. En segundo lugar, podemos aventurar hipótesis: con intenciones propiciatorias (atraer la lluvia, promover la fertilidad femenina, lograr certeras partidas de cacerías, pesca provechosa y clima amable). Pero el desarrollo del pensamiento abstracto no nació de la nada, ni se produjo por azar; y en este desarrollo el arte jugó un papel primordial.

Los seres humanos de esta época, que abarcó miles y miles de años, eran cazadores-recolectores, lo que significa que estaban constantemente en movimiento para la búsqueda de alimentos. Su arte los sigue de espacio en espacio, de cueva en cueva, de piedra en piedra; y tiene dos características fundamentales portátil y estacionario.

Arte portátil en el periodo del paleolítico.

Durante el periodo del Paleolítico superior el arte era portátil, (se podía mover o transportar) necesariamente de pequeño tamaño de forma que pudiera ser trasladado en sus migraciones constantes en busca de zonas propicias para la subsistencia y principalmente consistió en figurillas o también pequeños objetos decorados. Estos objetos que formaban parte del ajuar paleolítico fueron tallados en piedra, hueso o cuernos e incluso algunos modelados con arcilla.

Nos referiremos a la mayoría del arte portable desde este momento como figurativo, en que la forma eran reconocible, ya fuera lo representado en estos objetos la imagen de animales o la figura humana. Las figurillas son a menudo mencionadas por el nombre colectivo de “Venus”, ya que  son inconfundibles figuras femeninas modeladas con las características de vientre abultado y senos grandes durante un avanzado estado de gestación, no poseen rostros y la cabeza tiene relieves tallados sugiriendo el cabello. Estas figuras demuestran la importancia que conceden a la fertilidad.

VENUS DE WILLENDORF. 

Arte estacionario en el periodo del paleolítico.

Este arte fue justamente eso: no se mueve. Los mejores ejemplos que existen se encuentran en las pinturas rupestres en Europa occidental, creadas durante el período Paleolítico. Estas pinturas fueron elaboradas a partir de combinaciones de minerales, ocres, utilizando la sustancia interna de los huesos y carbón mezclado en medios de agua, sangre, grasas de animales y sabia de los árboles para obtener otros colores.

En la pintura rupestre se perfilaban primero el contorno de la figures con un buril, se remarcaban posteriormente en negro para pulverizar después el color sobre la imagen, el color que se aplicaba se mezclaba previamente con un aglutinante de propiedades orgánicas como por ejemplo la grasa de los animales y el tuétano.

La aplicación del color se hacía directamente sobre la figura, utilizando los dedos, toscos pinceles y espátulas. La propia humedad de la roca lograría que se estableciera la adherencia necesaria. Esto puede considerarse como un anticipo de lo que posteriormente sería la técnica al fresco.

La falta de luz en las cuevas y una temperatura y humedad constante ayudaron a que se preservaran durante siglos estas pinturas en muy buenas condiciones considerando el tiempo en que fueron creadas.

• Predominan las figuras aisladas en su mayoría de animales con un marcado realismo., entre ellos encontramos bisontes, ciervos jabalíes.
• Se aprovechan también las rocas protuberantes  para realizar sobre ellas dibujos que les conceden casi una propiedad tridimensional.

No se sabe con exactitud cuál sería la intención de estas pinturas pero todo parece indicar que su carácter mágico-religioso predomina, teniendo en cuenta la necesidad del hombre de la prehistoria de adaptarse a las condiciones climáticas de las que dependían y sobrevivir en un ambiente primitivo muchas veces sumamente adversos donde la procuración de alimento y la reproducción eran su preocupación constante y primordial.

Se encuentran estas pinturas lejos de la boca de las cuevas en que se llevaba  a cabo la vida cotidiana. Generalmente estas pinturas que ocupan tanto las paredes como la parte superior de las cuevas , (lo que vendría siendo como el techo de estas cavidades naturales),  han sido realizadas en zonas  adentradas donde prácticamente la luz del día no llega en lo absoluto. Lo curioso es que no hay en las mismas huellas de humo provenientes de antorchas, lo que dio pie a una investigación por parte de los especialistas para saber como pudieron crear estas pinturas en la oscuridad y de que forma se alumbraban. Se han encontrado restos de especie de velas o linternas primitivas que utilizaban grasa de animales que al quemar lentamente no producen tóxicos, humareda o huellas de hollín negro en la superficie de las paredes o techo de las cavernas.

Las cuevas para los hombres primitivos deberían considerarse como santuarios y las pinturas serian el complemento de los rituales para propiciar las condiciones favorables para la realización de sus actividades de supervivencia como la caza y la recolección y conseguir el favor de los dioses.

Las Pinturas rupestres no solo contienen arte figurativo, lo que significa que muchos elementos son más simbólicos que realistas. La excepción clara, aquí, está en la representación de los animales, que son vívidamente realistas (los seres humanos, por otro lado, están completamente ausentes o representadas con un simple trazo a forma de palo o estaca.

Algunos importantes ejemplos de estas pinturas en las cuevas se encuentran en:

Francia: Chauvet, Cosquer, Cussac, Font-de-Gaume, Lascaux, Les Combarelles, Les Trois-Freres, Niaux, and Rouffignac.

España: Altamira.

Aunque hay alrededor de 300 a 400 sitios que han sido documentados aportando todos ellos de una forma u otra importantes elementos para el mejor conocimiento de estas pinturas.  

Como ejemplos mas importantes del arte abstracto en el periodo del paleolítico están:

–           La Venus paleolítica en las tallas de piedra realizadas en pequeño tamaño y fácil de transportar.

–           Predominante representación de animales en la pintura.

–           La figura humana solo se esboza con un simple trazo semejando palos o estacas.

–           El uso de rituales y danzas para promover estados climáticos favorables y otras circunstancias de bienestar como las curaciones a los enfermos.

–            Pinturas rupestres con limitada gama de colores utilizando varios métodos en el que el uso de las manos para la aplicación de los mismos predomina así como toscos pinceles y rudimentarias estacas.

–           Aprovechamiento de las formas de rocas protuberantes para dar sensación de profundidad y relieve.

El Nacimiento de Venus

El Nacimiento de Venus, 1478. Medida: 172.50cm x 278.50cm. Galería degli Uffizi

Técnica: Pintura al temple.

De Sandro Botticelli (+1510)

Análisis Formal

La composición de este cuadro, a simple vista, es piramidal, los tres elementos del primer plano están dispuestos de tal forma que entre ellos se genera un triángulo visual (Alberti fundará esta definición:el cuadro es una intersección plana de la pirámide visual, E. Panosfky), los elementos de los extremos, generan una tensión hacia el punto central de la composición que también es el centro del espacio.

Debería de percibirse una  composición estática al tener un elemento en el centro del cuadro, sin embargo, la ligera inclinación de la forma hacia el lado izquierdo del cuadro, hace vacilar lo expuesto anteriormente, siendo el punto de inflexión que hace de este cuadro un espacio lleno de movimiento.

Haciendo hincapié en la inclinación de ese “triangulo visual”, ese ligero desplazamiento, siendo más exhaustivos en la contemplación, se observa una  división y distribución aurea del espacio, generándose el famoso espiral de Fibonacci, es gracias a este aporte matemático aplicado en la geometría oculta que el cuadro se dota de movimiento y dinamismo.

Observando cada elemento, es de notar que cada forma individual está dotada de un dinamismo orgánico, donde la curva es el movimiento principal. Las formas contorneadas de los cuerpos en contraposto, los cabellos ondeantes, y el gran concierto de caprichosos pliegues indican la presencia constante del viento circundante.

Las formas están firmemente remarcadas por la fuerte línea de contorno, dando la sensación visual de estar desintegradas del fondo, generándose así dos planos de lectura. La luz del cuadro es múltiple,  sutilmente se puede notar que penetra del lado izquierdo del cuadro, y eso lo podemos divisar en el sutil modelado de las formas, claramente se ve en la pierna de la mujer del centro, un exquisito esfumato que genera volumen a la forma. El fondo tiene una luz de ambiente, y los arboles tienen una luz superior

El fondo, ya separado por la línea, insinúa una ligera perspectiva, tanto por la presencia de las olas del mar que se van reduciendo en tamaño, una línea en forma de “v” y  mimetizando con el cielo, y también notar como la tierra, hacia el lado izquierdo del cuadro, va disminuyendo en tamaño y agrisándose hacia atrás.

El lado derecho del temple se visualiza  dos personajes, suspendidos sobre el mar, y hacia el extremo opuesto, el lado izquierdo del cuadro, se revela una mayor cantidad de elementos que condensan el espacio, lo vuelven más pesado.

En la composición es notable como el elemento de la derecha inician un soplido que desequilibra al elemento ascendente del centro, que se desarticula  para caer en los brazos del personaje de la izquierda del cuadro.

La mujer del centro es la representación de la belleza absoluta, sus suaves y contorneadas formas le dan la dimensión de sacralidad. Su largo cuerpo sugiere una proporción exagerada del canon de la anatomía, es de notar como la mano derecha con el antebrazo es excesivamente largo si lo comparamos con el brazo.

Todo este recorrido visual está acompañado del desprendimiento, a manera de lluvia de las rosas, que caen a manera de pluma.

La sensación espacial de profundidad se logra a través de la línea, además de la división del espacio matemáticamente.

Sobre el color, el tono general es policromático, es notable que el fondo goza de colores fríos y en primer plano, los colores cálidos y dorados, dándose un contraste por temperatura (frío y cálido) que a la vista se sienten armónicos y equilibrados.

En esencia el cuadro es una imagen mística que atrapa y nos deja en un estado de contemplación.

Análisis Iconográfico

“Danzan las blancas Horas, y el viento sus cabellos alborota (…). Tres ninfas (…) con su manto de estrellas la cubrirán. Poliziano.

Sandro Botticelli es el representante del primer renacimiento, un humanismo italiano Florentino. El Neoplatonismo inunda el pensamiento de la época, donde se contrasta el mundo fenoménico con el mundo de las ideas. Es una época donde el arte se eleva al nivel de ciencia y el valor de la belleza está por encima de todo, donde la filosofía clásica y la poesía son un medio más no un fin. Es una época donde se confirma el presente a través del pasado.

En este cuadro, Botticelli representa en este cuadro el Nacimiento de Venus, inspirado en la obra de Angelo Poliziano, que esté,  a su vez se inspirará de los poemas Homéricos. Es increíble ver en Botticelli la magnificencia y detalle meticuloso de la representación de la obra escrita, siguiendo al hilo cada párrafo y cada detalle de los versos escritos en “La Giostra Estanza” por Poliziano.

Este cuadro es realizado por encargo  de Lorenzo de Medicis, mecenas de Sandro Botticelli y amante de los textos Homéricos y de las obras de Poliziano.

Botticelli nos muestra a la diosa Venus, que en la Grecia antigua es llamada Afrodita (Venus aparece en el segundo himno Homérico como Afrodita, Warburg), la diosa del amor. La Venus de Botticelli está de pie sobre la concha, trata de taparse con sus ondeantes cabellos el sexo y se cubre el pecho con la mano derecha(Warburg); alargada, de formas redondeadas, en un contraposto que le da una inestabilidad como si se estuviera cayendo. La desnudez de Venus se convierte en pudor, una desnudez sacralizada, llenándola de magnificencia y un toque mágico celestial; es el compromiso de Botticelli con la fantasía antropomórfica y la comparación reflexiva (Warburg)  (aquí se nota la influencia del texto de Poliziano, su mentor, y la influencia de los textos de Alberti que Botticelli leerá y plasmará); emerge sobre  el mar impulsada por el viento de los dos mofletudos Céfiros(Warburg) hacia la arena, y la Hora de la Primavera (no tres como relata Poliziano) está esperando que caiga con un gran manto salpicado de flores multicolores(Warburg) para cubrir su desnudez.

La Hora de la primavera es reconocible por su cinto de flores de rosas como distintivo. En los versos de Poliziano se mencionan a tres Horas, Botticelli la reduce a una.

Botticelli, en el cuadro, le coloca una guirnalda de flores en el cuello, y la tela que sostiene está diseñada con flores, además detrás de ella se fecunda la vegetación, divisando grandes árboles de naranjos.

Céfiro el Dios del viento suspendido hacia el lado derecho del cuadro, se le representa fuerte, de una estructura angular y también alargada, es cargado por uno de sus querubines, sopla fuertemente para que la bella Venus se desarticule y caiga en los brazos de la Hora.

 Algunos autores determinan que el segundo Céfiro, que tiene aspecto de mujer, seria Clotis, basado en el texto de Ovidio, Fausto. Flora es atrapada por Céfiro y como regalo de bodas ella tendrá el poder de convertir en flores todo aquello que toque, Warburg.

El movimiento ondeante y elocuente de los cabellos dorados de Venus, de las telas, gazas y demás ornamentos, responden a la necesidad y afán del pintor por perennizar el momento (como una fotografía instantánea) de la manera más fidedigna tal y como aparece en el poema de referencia. Responde también a una norma que  León B. Alberti menciona en uno de sus postulados: “Debe de dotar de movimiento los accesorios sólo allí donde el propio viento pueda originarlo realmente”; según Warburg, el tratamiento agitado de los elementos ornamentales se pueden catalogar como una influencia de la Antigüedad.

La expresión de la obra es la encarnación de una fantástica narración alegórica de un evento griego, que tiene como raíz de inspiración a los poemas griegos Homéricos; es la apertura a la libre  intromisión de elementos paganos (los rezagos de la edad media considera a todo elemento no cristiano como pagano), que se van transformando y sacralizando, que se dotan de divinidad a través de la representación de las formas blandas cautivantes, el constante movimiento y los sutiles volúmenes, que atrapan al espectador y  lo sumerge en la contemplación donde lo sagrado y lo profano se desfiguran y se empiezan a entremezclar, esa ambigüedad hace del cuadro una pieza en sí misma, el cuadro empieza a hablar por si solo y cada elemento acentúa el concepto de narración.

Botticelli, lleno de conciencia neo-platonista,  será el precursor de estas obras que irrumpen los espacios de palacios y casas de funcionarios y burgueses ilustrados, en una época de re-descubrimientos de textos griegos pertenecientes a poetas, filósofos y científicos de la edad Antigua Edad Clásica.

Bibliografía

E. Panofsky, La Perspectiva como Forma Simbólica.

Warburg, El Nacimiento del Paganismo

Vasari, La Vida de los más excelentes pintores

Pilastras: Cuando un pilar o columna está adosado a un muro o pared, pasa a llamarse pilastra. La pilastra puede cumplir una función estructural de soporte, cuando sostiene un tejado, techo o entablamento, una moldura o un arquitrabe, o puede cumplir solamente una función decorativa. El nombre de pilastra, se deriva de pilar, que alude a un bloque de piedra sustentante de un techo. La pilastra se compone de los mismos elementos constructivos de que están compuestas las columnas. La basa, base o basamento. • El fuste. • El capitel, cuyo motivo dependerá del orden o estilo al que pertenece. Por lo general las pilastras se utilizan más como elemento decorativo adosado, que como soporte de alguna estructura. Con el paso del tiempo y la evolución de la arquitectura, se fue acumulando nuevo conocimiento en cuanto al empuje de las fuerzas para poder sustentar los pesos, y se hizo cada vez menos necesaria la función de sostén de las columnas o pilares. De todos modos su papel en la decoración siguió siendo muy valorado, por lo que comenzaron a utilizarse columnas adosadas o pilastras, por ejemplo en la Arquitectura gótica, donde los pilares cruciformes (o sea los que, vistos en planta, tienen forma de cruz) eran los elementos de sujeción de las bóvedas de crucería. Su forma de cruz se debe a que en cada cara de la columna ha sido añadida una pilastra adosada. Estos pilares fueron bastante característicos, también, en la arquitectura renacentista del Quattrocento y del Cinquecento, así como en el Manierismo y en el Barroco, para las fachadas y los altares. La divulgación de las pilastras en el Barroco implicó la creación de profusas variantes, como el estípite: pilastra o pilar con un fuste en forma de tronco invertido de pirámide, que se popularizó especialmente en el Barroco español. 

¿EXISTE EL ARTE?

Dice E. H. Gombrich: 
"No existe realmente el Arte. Tan sólo hay artistas. Estos eran en otros tiempos hombres que tomaban tierra coloreada y dibujaban toscamente las formas de un bisonte sobre las paredes de una cueva; hoy compran sus colores y trazan carteles para las estaciones del metro. entre unos y otros han hecho muchas cosas. No hay ningún mal en llamar arte a todas estas actividades, mientras tengamos en cuenta que tal palabra puede significar cosas distintas, en épocas y lugares diversos, y mientras podamos advertir que el Arte con mayúscula no existe, pues el Arte con mayúscula tiene por esencia que ser un fantasma y un ídolo. Se puede abrumar a un artista diciéndole que lo que acaba de realizar acaso sea muy bueno a su manera, sólo que no es Arte. Y se puede llenar de confusión a alguien que atesore cuadros, asegurando que lo que le gustó en ellos no fue precisamente Arte, sino algo distinto. 
En verdad, no creo que haya ningún motivo ilícito dentro de los gustos sobre una escultura o un cuadro. A alguien le puede complacer un paisaje porque lo asocia a la imagen de su casa, o un retrato porque le recuerda a un amigo. Todos nosotros, cuando vemos un cuadro, nos ponemos a recordar mil cosas que influyen en nuestros gustos y aversiones. Sólo cuando un molesto recuerdo nos obsesiona, cuando instintivamente nos apartamos de una espléndida representación de un paisaje alpino porque aborrecemos el deporte de escalar, es cuando debemos sondearnos para hallar el motivo de nuestra repugnancia, que nos priva de un placer que, de otro modo, habríamos experimentado. Hay causas equivocadas de que NO nos guste una obra de arte (...). La confusión proviene de que varían mucho los gustos y criterios acerca de la belleza. Y lo mismo que decimos de la belleza hay que decir de la expresión. En efecto, a menudo es la expresión de un personaje de un cuadro lo que hace que nos guste o nos disguste (...) Con frecuencia nos encontramos con otra dificultad. Quieren admirar la destreza del artista al representar los objetos, y lo que más les gusta son cuadros en los que algo aparece "como si fuera de verdad". Esta es una consideración importante. Pero ¿quién diría que el dibujo de un elefante hecho por Rembrandt es forzosamente menos bueno porque representa menos detalles? Aún las personas sienten mayor aversión por obras que consideran dibujadas incorrectamente. En realidad no existe misterio en estas distorsiones de la naturaleza. El ratón Mickey no tiene gran cosa que ver con un ratón de verdad, pero la gente no se indigna acerca de la longitud de su cola. Quienes van a ver películas de Disney no se preocupan del Arte con mayúscula. No van al cine armados con los mismos prejuicios que cuando ven una exposición de pintura moderna. Pero si un artista moderno dibuja algo a su manera peculiar, en seguida será considerado como un chapucero incapaz de hacerlo mejor. Hay dos cosas que debemos tener en cuenta siempre que creamos encontrar una falta de corrección en un cuadro. Una, si el artista no tuvo sus motivos para alterar la apariencia de lo que vio. Otra, que nunca debemos condenar una obra de arte por estar incorrectamente dibujada, a menos que estemos completamente seguros de que el que está equivocado es el pintor y no nosotros". 
E. H. Gombrich - La historia del arte. Ed. Phaidon